The Parable of the Live-In Crisis

In every crisis there is an opportunity. Those who aren't paralyzed by melancholy and fear will take advantage and adapt to new changes. Those who resist changes or ignore them will be condemned to fall to pieces. That's the case of Beba (Norma Aleandro), who in the midst of the Argentine economic and social crisis of 2001, still believes that the best way to face hard times is living like in good times and to show off to maintain status. She can't do anything without her maid Dora (first-time actress Norma Argentina), who with the slow transformation of Live-In Maid (2004, original title Cama Adentro) will become something else than a maid.

Debutant director Jorge Gaggero goes through a few interesting challenges with success. First of all, he puts together an inexperienced actress with probably the most talented in Argentina. It means working in rehearsals and shootings in many different levels of communication. This was reflected in the great performances, especially in Norma Argentina who didn't seem novice. Secondly, he makes the decision to not use a music score at all, taking the film to a simpler and pure character-driven story, which also forces a situation where every aspect of the storyline and script must be precisely executed. Finally, he uses the macro crisis in a subtle way, without turning it into the main character and excuse. Thus, it functions as a background that enriches the micro crisis in the characters and helps the evolution of the women's relationship.

The story turns into a parallel experience where the power relation between Beba and Dora balances, many symbols emerge from this plain tale --at first sight-- and new layers are revealed: the mud mask, the looks in the hairdresser, a mute security camera, a birthday cake and some other special moments make us reflect and get deep into this lesson of life and friendship. Dora cries in a restaurant. Beba, despite all... dances. The outskirts vs. the city,  a difference of classes and a separation that seems like a divorce undress dignity in both of them.

In every crisis there is an opportunity. Imitation and negation comes to an end, and change is a fact--one more time. Sometimes the new stages after adaptation can be dramatic or worse. Sometimes they divulge a very particular way of love. Sometimes they carry prizes in Sundance and Tolousse, a great reception in Argentina, an invitation to screen in the prestigious Film Forum, and an amazing review in The New York Times. Beba and Dora are not the same, and probably Jorge Gaggero, and many of the filmmakers and artists that went through the Argentine crisis neither. The director himself may have learned many lessons from his first feature. The audience too: in an industry exhausted of ideas and multi-millionaire remakes, the best thing that can happen is crisis.

 

(Written for Cinema Tropical)

Live-In Maid (Cama Adentro)
Director: Jorge Gaggero, Argentina/Spain, 2005, 83 min.
In Spanish with English subtitles

Opens Wednesday, July 18, for two weeks.
Film Forum, 209 West Houston Street
www.filmforum.org  (212) 727-8110
Showtimes: 1pm, 2:45pm, 4:30pm, 6:20pm, 8:10pm & 10pm

*Filmmaker Jorge Gaggero in person! Wed/Thu/Fri Jul 18-20 at the 8:10 shows

Lion

Federico Uribe is a sculptor, painter and artist originally from Colombia, now living and working in Miami Beach. He studied art at "Universidad de los Andes" in Bogotá and then continued studying in New York. Destiny crossed him with a Puma's executive in an airplane, who learned that Uribe's art is based on everyday objects (baby-bottle nipples, plastic forks, coins, cleaning supplies, screws, etc). The shoes manufacturer gave him some samples to see what he could do, and after blowing their minds with some samples they offered him thousands of shoes and shoelaces. I was lucky enough to walk into the Puma Design store in the Meatpacking District, New York, the same day the exhibition was opening. Drinks, great food, a provoking live African rhythm, and the artist himself in the middle of his urban jungle. I forgot about the walls and cement to enter into a new dimension.

This exhibition was first displayed at Art Basel Miami Beach 2006, and then adapted to the Chelsea Art Museum, where it will stay until August 18. Although the Museum itself doesn't want to classify it, they name the Pop Art as a possibility, and an idea of the human impact on the planet. That's where the never-ending paradox lies: the shoes manufacturers hurt the environment, the damaged environment hurts the animals, the artist takes what the manufacturers create to re-create a new environment for the animals, which though it's incredibly beautiful, it has the manufacturer's stamp on each animal.

A month after I was at the exhibition I'm still thinking this interwoven concept-content-aesthetics. Like fire-marks in livestock, the countless Pumas are a conscious reminder that they are part of this exhibition, an invitation to buy and even love (or hate) the brand. But if you stay enough time to open your mind and give yourself to a complete stimulation, you will find above and beyond all Uribe's pure instinct, sensitivity, and vision. Is this really a call of urgency to save the planet? Is this a new sport sponsored by Puma? Is this a master class of installations? Is this a philosophical puzzle beneath the surface? Go deep into this magic jungle and ask yourself. But don't ask Uribe... he is another animal in the jungle. And a very special one.


"Human Nature" by Federico Uribe

Chelsea Museum of Art

56 West 22nd Street, New York, NY 10011
tel 212.255.0719 

e-mail contact@chelseaartmuseum.org

Open Tuesday through Saturday Noon to 6pm - Thursday Noon to 8pm

Closed Sunday and Monday
$6 adults, $3 students and seniors, free for members and visitors 16 and under

Tribeca x 4: Alvaro Covacevich

Durante el 6º Festival de Cine de Tribeca tuve el placer y honor de entrevistar a algunos de los cineastas, actores, productores y ejecutivos del festival. A continuación, un extracto de la entrevista con Alvaro Covacevich, director y escritor de Morir Un Poco (To Die A Little).

During the 6th Tribeca Film Festival I had the pleasure and honor of interviewing some of the filmmakers, actors, producers and festival executives. Next there is an excerpt from the interview with Alvaro Covacevich, director and writer of Morir Un Poco (To Die A Little).

Pablo Goldbarg: ¿Considerás a tu película como un desaparecido más de la dictadura?

Alvaro Covacevich: Yo tuve, desgraciadamente, dos desaparecidos. Un hijo mío, que apareció después, y esta película, junto con otro material mío, que desapareció por mucho tiempo, porque los militares destruyeron no solo películas, también libros. Es clásica la escena, que ya parece como inventada, de los nazis quemando libros, y yo tengo filmado en una de mis películas a los militares quemando libros en Santiago, los libros marxistas… pero eso existe y eso es verdad. Tenían orden de hacer desaparecer todo lo que tenga que ver con la cultura. Hay una anécdota de cuando fue allanada mi casa, por la cual fui bastante maltratado y perseguido. Es por el teniente que condujo la patrulla que allanó mi casa. Yo siempre he tenido gran afición por el arte, para mi el arte ha sido un soporte muy grande dentro del cine, como lo fue para Visconti, como lo fue para muchos personajes del cine que se han apoyado mucho en la parte estética del arte, para de ahí empezar su idea. Entonces yo siempre he tenido grandes colecciones de libros, y he tenido una gran colección de arte cubista, que me interesa bastante. Entonces una de las razones por las cuales fui maltratado y detenido, que se aclaró después, fue que el oficial dijo que yo era pro Cubano… porque tenía mucho arte Cubista (risas). Finalmente parece que alguien del otro lado preguntó si era que hablaban de Fidel. “No, aquí hay muchos libros de unos nombres raros de cosas” (risas). Eso te da una idea de la ignorancia, agresiva además, porque por eso te podían matar. Si no hubiera habido respuesta del otro lado, a lo mejor decían “Bueno, fusílenlo, este es un pro Cubano, tiene su casa llena de panfletos y documentos pro Cubanos…”, y en realidad eran los mejores libros de arte cubista que yo había reunido en veinte años.

P.G.: ¿Cambia la forma de hacer cine después de esta desaparición?

A.C.: Yo creo que yo nunca quise estar como quien dice “encajonado” en una línea de cine. Incluso me rebelé bastante sobre eso. La película que yo hago inmediatamente después de Morir Un Poco (1967) es una pelicula que no tiene nada que ver con este tema. Retomo una historia que sucedió en Holanda, de una serie de jóvenes de la época del hippismo, intentan reunirse y tartar de vivir en comunidades, y lo primero que hacen es pintar sus bicicletas blancas, para que donde las dejen, cualquiera las pueda usar. Y con ese principio se empieza un movimiento, y ocurrió realmente, y yo desarrollé esa idea en Chile, tomando un poco y apoyándome en esta especie de movimiento del hippismo y estas sociedades comunitarias. Y hago la película sobre ese tema, nada más que yo continúo las bicicletas blancas con autos blancos, con monumentos blancos, con casas blancas, y entonces ahi interviene el Congreso, la política, la policía y destruye el movimiento que es la anarquia total. Entonces sí caigo en el tema político, pero en otro esquema. Esa película se llama New Love, o La Revolución de las Flores (1968). Es una sátira a este movimiento y lo que significó, porque en el fondo todos estos muchachos que empiezan protestando contra el establishment y contra la producción masiva de bienes de consumo. Ellos hacen sus propias cosas con las manos, sus collarcitos, sus cosas, pero tienen tanto éxito que finalmente empiezan a vender millones y tienen que tomar contadores, auditores, gerentes, supervisores, y terminan en lo mismo que están discutiendo.

P.G.: ¿Cuándo es tu exilio, y cómo se vive siendo artista en ese exilio?

A.C.: Bueno, yo creo que es muy difícil. En primer lugar porque no es lo mismo que tu decidas venir a estudiar a Nueva York o a trabajar, que estemos los dos como estamos ahora, a que venga una patrulla y te detenga. Yo estuve doce meses proscripto en la Embajada de México que nos acogió. No podíamos salir, estábamos aislados de la familia. Y de la noche a la mañana tu amaneces, como me pasó a mi, despiertas y hay una “polleta” colgando del techo de un hotelito muy digno, pero refugiado en un país que era muy extraño para mi.Debo recordarte que el castigo mas grande que ha existido—lo toma Shakespeare y sus diversas obras, también los Griegos--y se infligía a un hombre no era matarlo: era exiliarlo. Porque es muy difícil estar fuera de tu país y no poder volver. No es una decisión tuya: me voy a vivir a Argentina, o me voy a vivir a Francia y vuelvo cuando quiera. Pero esto de que te toman como una pieza de algo y te depositan en algún lugar donde tu no te puedes mover de ahí realmente a tu patria… eso es muy triste. Porque la gente dice “qué es la patria?”. Porque todos somos revolucionarios… en New Love hay una escena donde se queman los pasaportes, se queman los papeles, toda identidad, nacionalidad, propiedad de un país, como una protesta, y realmente uno sí que pertenece a los países. A ti no se te va a quitar nunca la manera de hablar de Argentino jamás ni a mi la de Chileno, y eso se va a arrastrar a tus nietos, que van a hablar de ti como ese personaje que oyeron distinto al resto que oyeron en su vida. Hay una frase maravillosa que dice “La patria es el pais de la infancia”; lo dice Gabriela Mistral. Es cierto, y es lo que más me acuerdo. Y mi exilio duró dieciocho años sin poder volver a mi país, y finalmente me quedé viviendo en México hasta ahora… son treinta años, entre exilio obligado y exilio aceptado por mi mismo. Es difícil porque es un enfoque en el cual tu no perteneces nunca a ese país. Yo tengo nietos Mexicanos, y sin embargo yo siento que yo sigo siendo extranjero… en America Latina. Yo creo que ese fenomeno no existe aquí en Nueva York. No se entiende ese concepto, pero sí en algunas generaciones, tus abuelos por ejemplo si vinieron para acá todavía lo deben sentir.

P.G.: La película reaparece en el 2006…

A.C.: La película desapareció entera. Se destruyó todo el material, junto con otro material mío, junto con otras películas. Habían unos documentales bien interesantes que yo había hecho en el Amazonas con cientificos de Naciones Unidas y antropólogos, para detectar una comunidad que nunca había tenido contacto con el ser civilizado. Mucho material se rompió, se perdió, gran colección de arte se la robaron en Chile… y bueno, Morir Un Poco desaparece, y yo la empecé a rastrear por años. Ofrecí un premio incluso en Chile, porque esta película tuvo un éxito impresionante. ¿Por qué ese exito? A lo mejor fue un espejo. Y hoy día es el mismo espejo, manchado, borrado, pero el mismo. Hay ciertas imágenes desvanecidas pero eso es parte del valor de la película en si misma. Como no va a haber una caseta (sala) donde se dió la película, en un pueblecito donde haya quedado una copia abandonada. No, los militares arrasaron todo. Había que destruir esta película. Era una forma de mostrar algo que ellos deberían estar obligados a hacer y que no lo iban a hacer nunca por el pueblo, eso era evidente. Y no sólo este material: libros, pinturas, todo lo que representara cualquier cosa de este tipo. Y mandé un hijo a buscarla a Alemania, y de repente apareció una voz de alguien… y apareció el tambor de esta versión que ustedes han visto, que es el único material que existe. Yo he estado recuperando otras cosas, pedazos que estoy tratando de juntar y restaurar. Es un trabajo lento y pesado, fotograma por fotograma, pero se puede hacer.

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